PROGRAM

Exposition collective franco-allemande imaginée par la curatrice Sarah Maske avec le collectif Decrustate, Sibylle Duboc, Theo Guicheron-Lopez, Marte Kiessling, Gülşah Mursaloğlu, Jennifer Oellerich.

Qu’entend-on par terre en particulier et par surface en général ? Quel rôle joue-t-elle dans l’agriculture ? Que ce soit la terre, l’eau ou l’asphalte, qu’elles soient solides, meubles, petites ou grandes, lisses ou irrégulières… Cette exposition d’artistes basés en Allemagne et en France propose un aperçu des surfaces dites naturelles et artificielles, et donne à voir notre lien avec elles.
Stacy Alaimo, professeur d’études en environnement et en développement durable, décrit dans l’un de ses livres une situation dans laquelle Ladelle McWhorther, après avoir essayé de faire pousser des tomates, a développé un rapport particulier avec la terre et l’a perçue comme beaucoup plus précieuse grâce au simple fait de travailler activement avec elle.

La terre est rarement considérée pour ce qu’elle est, de façon existentielle, contrairement à l’air et à l’eau. Ce n’est que lorsque nous voyons ce que le sol peut accomplir que nous réalisons ce dont il est capable. Le sol est, en ce qui concerne notre alimentation, un facteur essentiel. Comme McWhorther, nous devrions avoir un lien inextricable avec la terre car elle nous nourrit. Sans un sol sain, il n’y a pas de plantes saines, pas de cultures saines, pas de personnes et d’animaux sains.
Pourtant, la terre n’est presque jamais valorisée, ni traitée de manière adéquate. Nous la brûlons, la déchirons, l’assécherons ou la bitumons. Qu’observe-t-on lorsque nous parlons de sol ? C’est la question que se posent les œuvres présentées dans l’exposition.
La distinction entre sol « naturel » et sol « artificiel » revient sans cesse. Dans les œuvres de Gülşah Mursaloğlu, Marte Kiessling et Theo Guicheron-Lopez, ces notions interviennent de différentes manières. Qu’est-ce qui existe depuis toujours, qu’est-ce que les humains ont façonné ?

iNature – water de Kiessling recueille des images de surfaces d’eau, de feuilles et d’arbres et les projette sur une surface solide afin que les humains puissent marcher sur l’eau et la cime des arbres, ce qui n’est pas possible dans la réalité. Existe-t-il une nature artistique ou existe-t-il aussi un art naturel ? C’est toute la question.

Les sculptures de Theo Guicheron-Lopez explorent les matières en quête de leurs points de connexion. Normalement, dans les zones urbaines, les arbres trouvent leur place au milieu de l’asphalte. Guicheron-Lopez retourne la réalité et introduit de l’asphalte, de la colle et de la résine époxy dans la souche de buis. S’agit-il d’un corps étranger ou d’un nouvel hybride de la nouvelle ère ?

Gülşah Mursaloğlu parle également de corps étrangers dans son travail. Devouring the Earth, in Perishable Quantities explore les limites de l’incorporation d’une substance étrangère dans un corps, en empruntant des formes aux processus d’extraction géologiques et biologiques. Les communautés humaines et non humaines se sont livrées à la géophagie (consommation de la terre), parfois pour obtenir certains minéraux, parfois pour se connecter à la terre. A partir de là, elle développe diverses théories sur le fait que les choix dits « conscients » ne sont pas toujours des choix.

Jennifer Oellerich joue avec différentes surfaces et leur développement au gré des facteurs climatiques. Le gaufrage en cuivre monté et patiné montre des structures de pluie qui ressemblent à un paysage de cratères planétaires. Nous retrouvons ici le phénomène des motifs naturels dans les différentes échelles.

Sibylle Duboc joue également avec les échelles – Empreinte photographique de champs de palmier en Malaisie est une série d’images satellites réduites à la taille d’empreintes digitales. La forêt malaisienne est massivement déboisée pour la production d’huile de palme, qui est exportée dans le monde entier. Les plantations sont aménagées en terrasses et suivent le relief topographique de la forêt, dessinant des lignes qui ressemblent étonnamment aux empreintes digitales humaines. Cette série met en évidence l’analogie formelle entre deux empreintes de pas humains passant d’une échelle réelle à une vue aérienne.

Depuis plus de 20 ans, le collectif Decrustate crée des archives de surfaces terrestres et transporte ses découpes à travers le monde. Ce faisant, le collectif emprunte une partie symbolique de la terre, qu’il s’agisse de coulées ou de traces d’animaux, et la scelle, créant ainsi une série artistique. Pendant le festival, une mini surface gagnante du tournoi de pétanque sera « décroûtée », c’est-à-dire finement retirée, scellée et remise au gagnant comme prix principal. Chaque « décrustation » est unique.

Eloïse, 32 ans, parisienne, décide de changer de vie pour devenir agricultrice. Prenant conscience d’une urgence à préserver l’environnement, elle s’installe avec ses enfants dans la Sarthe et se forme en lycée agricole. Pendant 5 ans, ce film la suit au fil de ses stages et de ses rencontres pour fonder une ferme en maraîchage biologique.

Assistante à la mise en scène, Eloïse décide de tourner la page à 32 ans et de devenir agricultrice bio. Elle s’engage d’abord seule, sans expérience, pour faire, dit-elle, triompher la vie et réparer la terre. Le déclencheur, c’est la construction près du Mans d’une ligne de train LGV, le Paris-Rennes, qui engendre un déboisement massif, notamment sur un terrain appartenant à la famille d’Eloïse. Prenant conscience d’une urgence à préserver l’environnement, elle quitte avec ses enfants sa vie à Paris pour la Sarthe et recommence des études en lycée agricole. Non issue du milieu rural, elle met alors tout en œuvre pour fonder une ferme en maraîchage biologique. Ce film la suit au fil de ses stages et de ses rencontres avec des agriculteurs passionnés. Il donne à voir ses doutes, ses joies, ses difficultés, son courage et son engagement. Un portrait de femme inspirant, un récit de transition qui s’inscrit dans un mouvement de société grandissant.

Le cinéma Bourguet est un mono-écran bénéficiant du classement art et essai et des labels « recherche et découverte », « patrimoine et répertoire » et « jeune public ». Une attention particulière y est portée à l’égard du cinéma documentaire et du cinéma de patrimoine, donnant lieu l’un et l’autre à une programmation hebdomadaire et de nombreux événements au cours de l’année.

Simon Knab works on projects with a strong connection to nature and the environment. Environmental awareness and sustainability issues are at the heart of his artistic work. This often requires lengthy and specific research in a chosen location, as well as an in-depth analysis of environmental issues. In doing so, Knab seeks to involve local citizens in his work and to trigger reflections on ecological questions.
There are many local plants in Forcalquier and its surroundings, like wild rosemary. In his workshop Le miracle bleu (The Blue Miracle), Simon Knab creates a visual and artistic archive of regional flora using cyanotypes made by the participants themselves, which can then be taken home.

Le mot de la Galerie Passère :
Je suis heureuse d’accueillir l’exposition « Le sens de la terre» à la Galerie Passère du Jeudi 21 au Lundi 25 Octobre 2021.

Tout d’abord, parce que le sujet de l’écologie et de l’agriculture d’aujourd’hui sont des sujets nobles, engagés et primordiaux pour le monde d’aujourd’hui et de demain. Ensuite, car il s’agit du premier événement qui a lieu à la Galerie depuis deux ans. La Galerie Passère a vocation à présenter des œuvres contemporaines et multiformes : peinture, sculpture, photographie … aussi le format de la vidéo convient parfaitement … L’art se nourrit de ce qui est vivant et a de tout temps servi à s’engager pour des idées et même à les dénoncer. Il était donc important pour moi que la réouverture ait lieu sur un thème qui soit aussi vital que « le sens de la terre » …

C’est un début de soirée en deux temps que nous vous proposons, un premier temps de dégustation avec trois vigeron.ne.s qui nous présenterons différentes cuvées issues de leur domaines respectifs puis un temps d’échanges et de discussions autour de leur travail et de leurs pratiques.

Trois vigneron.ne.s, trois histoires d’homme ou de femme, trois parcours singuliers avec en partage la même envie, la même ambition, produire de grands vins exprimant leur sensibilité et leur terroir en pratiquant une agriculture durable exempte de chimie de synthèse à la vigne et au chai.

Comment travailler son sol ? Comment tailler ses vignes ? Comment la défendre, la protéger, l’entretenir sans avoir recours à des produits toxiques pour la nature et pour les hommes ? Le tout dans un contexte de changement climatique qui a déjà un impact visible sur la production de ces domaines.

Une performance interactive sur le thème de la structure de l’humus avec la permacultrice Johanna Haeger. Johanna Haeger, alias Juana La Loca, est architecte paysagiste, designer en permaculture et cultivatrice d’humus.

Elle dirige un projet de permaculture au nord de Berlin avec des structures de jardin forestier et une petite pépinière maraîchère, où elle partage ses connaissances lors de séminaires sur la permaculture.

Elle accorde une importance particulière à la création de sols et à la plantation d’arbres. Mais avant tout, elle souhaite donner aux gens les moyens de suivre leur intuition et de se connecter avec la terre.

Un documentaire de Céline Laurens
France I 2021 I 52’
Airelles Production

Alors que je débroussaille les ruines de ma future ferme, me revient en force l’évocation de Canjuers, haut plateau du Var annexé par l’armée en 1973 pour y construire le plus grand camp d’entraînement militaire d’Europe. Là vivait mon grand-père, berger, et sa famille avant l’expulsion. Je fouille les tiroirs et les greniers de ma mère, de mes oncles et tantes, je rencontre les anciens voisins à la recherche de l’histoire de Canjuers, confrontant les souvenirs aux archives officielles levées du secret défense. Les échos du passé nourrissent mon choix de devenir paysanne à mon tour aujourd’hui. Au jour le jour, je construis ma future ferme, héritière de l’esprit de Canjuers.

Projet lauréat de la Bourse Brouillon d’un rêve de la SCAM et de la SACEM pour la composition de musique originale. Avec l’aide à l’écriture et l’aide à la production de la Région PACA et du CNC.

C’est dans une énergie résolument brute que les trois protagonistes abordent en profondeur ce travail sur le son campanaire, s’inscrivant dans les musiques improvisées et contemporaines ; tout en l’associant à une recherche artistique et ethnographique sur la vocalité propre au pastoralisme, qui tisse les liens entre homme et animal à travers huchements, appels, cris, baïleros et briolages.

Avec BATALH, la compagnie élabore un nouvel instrument qui déploie au mieux cette richesse acoutisque. Le campanophone est un système itinérant sur roue doté d’un carillon, de claviers de sonnailles, et accompagné de percussions et bourdons complémentaires. Il est pensé pour être joué par 1 à 3 musiciens à la fois, et permet de transporter des instruments complémentaires. Un premier prototype non itinérant a été élaboré en octobre 2019 et accueilli chaleureusement par le public. Le campanophone est démontable et comprend un support à saxophone basse, une réserve de cloches « libres » (pouvant être manipulées librement), ainsi qu’une boîte à bourdon alimentée électriquement par une batterie mobile, qui sert de soutien aux voix et créé un fil tendu propice à une forme musicale narrative ou improvisée. Les claviers de sonnailles sont disposés sur trois axes formant un U, au-dessus duquel est suspendu un carillon accessible de toutes parts. Les musiciens peuvent se déplacer d’un clavier à un autre. Ils comportent des sonnailles de différentes tailles et de différents types permettant d’interpréter des mélodies percussives. Le carillon permet d’enrichir la gamme avec des sonnailles et clarines suspendues dotées de leurs battants, qui apportent une variété de sons différents, une variabilité dans le son produit. Le dispositif, sur roues avec système de blocage, est itinérant. Son déplacement provoque le tintinabulum du carillon, qui n’est pas sans rappeler le déplacement des bêtes en estive.

Depuis plus de 20 ans, le collectif Decrustate créé des archives de surface terrestres et transporte ses découpes à travers le monde. Ce faisant, le collectif emprunte une partie symbolique de la terre, qu’il s’agisse de coulées ou de traces d’animaux, et la scelle, créant ainsi une série artistique.